L'art abstrait : évolution et influences

Histoire et contexte de ce mouvement de peinture

L'art abstrait, concept énigmatique par excellence, transcende les limites imposées par la représentation figée des formes. Né de multiples réflexions à travers diverses contrées, il s'affirme comme une force influente, marquant l'évolution des arts visuels sur la scène internationale. En effet, ce mouvement se déploie tel un vaste réseau d'écoles et de courants, souvent en proie à des dissensions passionnées, rappelant les schismes d'une histoire religieuse.

La notion d'abstraction

La notion d'abstraction, selon les mots de Max Bill, se distingue par sa nature conceptuelle pure, reniant les formes physiques pour ne subsister que dans le domaine intellectuel. Pourtant, cette vision est contestée par d'autres, comme Jean Arp, qui insistent sur la capacité d'une œuvre à rester concrète et sensorielle même sans modèle évident.

Les débats entre partisans de l'abstraction et défenseurs du figuratif ou de l'objectif ont longtemps animé les cercles artistiques. Max Bill, ardent défenseur de l'art véritable, insiste sur la nécessité pour toute œuvre, qu'elle soit naturaliste, abstraite ou concrète, de véhiculer une idée fondamentale. Ainsi, l'abstraction ne se réduit pas à une simple négation des formes perceptibles, mais constitue une exploration de nouvelles vérités esthétiques.

Les diverses tendances de l'art abstrait

Les diverses tendances de l'art abstrait enrichissent le paysage artistique par leurs approches distinctes. L'abstraction émotive ou lyrique, par exemple, s'attache à exprimer une vérité intérieure à travers une spontanéité effusive, tandis que l'abstraction froide ou géométrique se consacre à une investigation rigoureuse des formes et des couleurs.

Aux États-Unis, le mouvement de l'action painting, tel que décrit par Harold Rosenberg, révèle une peinture où la gestuelle et la rapidité du geste du peintre deviennent des éléments centraux de l'œuvre. Parallèlement, l'art cinétique manipule les lois de l'optique pour créer des illusions de mouvement, tandis que l'art conceptuel privilégie l'idée sous-tendant l'œuvre, parfois au détriment de sa matérialité.

En somme, l'art abstrait transcende les frontières culturelles et historiques, explorant de nouveaux territoires esthétiques souvent controversés. Des débats sur la nature de l'abstraction à ses implications philosophiques et sociales, cet art continue de captiver et de diviser, affirmant sa place parmi les grandes révolutions artistiques du XXe siècle.

Les origines de l'art abstrait

À travers les civilisations, un processus d'abstraction plastique est perceptible, où la représentation d'éléments naturels se réduit progressivement à des schémas, idéogrammes ou signes. Cependant, cela diffère de l'art abstrait le plus audacieux et conscient, qui vise à créer des formes premières ne dérivant pas d'une simplification progressive d'un modèle observable, mais d'une invention originale. Les pionniers de l'art abstrait, initialement confinés dans une volonté de transformer certains spectacles privilégiés comme les paysages de Murnau ou les visions féériques de Kandinsky, finiront par établir une relation directe entre le peintre et la forme, influencés par le symbolisme, l'impressionnisme et le cubisme, tout en se distinguant de ces mouvements fondamentaux de l'art moderne.

Le symbolisme

Le titre de l'œuvre de Kandinsky, Du spirituel dans l'art, résume l'influence du symbolisme sur les arts plastiques. La priorité accordée aux idées et aux émotions a non seulement marqué la fin de l'académisme, mais a également encouragé le développement de moyens d'expression adaptés, tels que l'arabesque. La construction du tableau par l'arabesque, en tant que principe spirituel, a culminé avec le cloisonnisme de Gauguin, intensifiant l'utilisation non réaliste de la couleur. Kandinsky, Kupka, Malevitch et Mondrian ont tous intégré ces éléments dans leurs œuvres.

L’Impressionnisme

La vocation artistique de Kandinsky trouve ses origines dans sa rencontre avec une Meule de Monet. En cherchant à faire de chaque toile un hymne à la lumière, l'impressionnisme a accéléré la dissolution de la forme, la structure du tableau étant assurée par les vibrations lumineuses : sans ce précédent, l'orphisme de Delaunay n'aurait pas vu le jour. Les Nymphéas de Monet, peints en fin de vie et longtemps perçus comme l'apogée de la déliquescence formelle, inspireront trente ans plus tard l'abstraction lyrique, notamment chez Sam Francis. À l'inverse, le néo-impressionnisme de Seurat, préoccupé par la restitution de l'architecture du tableau, influencera le néo-plasticisme.

Le Cubisme

De Cézanne au cubisme, la volonté de créer une peinture résistant à l'épreuve du temps entraîne une désaffection croissante du monde extérieur : tandis que les impressionnistes s'harmonisaient avec la nature, les cubistes feront bientôt de brèves allusions (moustaches, anse de cruche, goulot de bouteille). Lorsque ces éléments disparaissent, le tableau révèle un équilibre de lignes droites, puis de plans géométriques. Malevitch et Mondrian en prennent conscience, tandis que Picasso et Braque, craignant de perdre tout contact avec la réalité visible, battent en retraite. La peinture montre alors qu'elle peut se passer de suggérer une troisième dimension : la perspective devient un luxe.

Les fondateurs de l’art abstrait

Au début du XXe siècle, l'Art nouveau, sous l'influence de l'arabesque, produit de véritables abstractions encore marquées par des contraintes décoratives. L'ambition symboliste de « reprendre à la musique son bien » (P. Valéry) inspire des artistes comme le sculpteur Hermann Obrist et le peintre Mikalojus Tchourlionis. Cependant, entre 1910 et 1915, de nombreux artistes accèdent à l'abstraction de manière autonome et éparse, illustrant la nécessité culturelle de cette naissance, souvent comparée à la révolution scientifique contemporaine. Énumérer les artistes pionniers par ordre alphabétique évite les querelles d'antériorité : Hans Arp, Giacomo Balla, Vladimir Baranov-Rossiné, Patrick Henry Bruce, Robert Delaunay, Arthur Dove, Marsden Hartley, Kupka, Larionov, Wyndham Lewis, Stanton Macdonald Wright, August Macke, Alberto Magnelli, Franz Marc, Picabia, Morgan Russell, Sophie Taeuber, Tatline, et Sonia Terk figurent parmi les plus originaux.

Les trois grands créateurs de la peinture abstraite sont Vassili Kandinsky, Kazimir Malevitch et Piet Mondrian.

Vassili Kandinsky

Kandinsky, le premier des trois, marque l'année 1910 par sa « première aquarelle abstraite » et de nombreux tableaux consommant la rupture avec la représentation réaliste. Jusqu'en 1914, il explore deux voies : une interprétation libre de paysages bavarois ou de scènes féeriques, et une construction picturale spontanée, avec taches, griffures et tracés non prémédités. Observant un de ses tableaux posé sur le côté, il découvre que « les objets nuisaient à sa peinture », et s'efforce de s'en affranchir, tout en suspectant qu'un résultat équivalent pourrait être atteint par le lyrisme de la couleur et la dépouillement des qualités réalistes d'une image. Kandinsky explore systématiquement les possibilités créatives de la spontanéité graphique et chromatique, jetant les bases de l’automatisme tel qu’il sera compris par les surréalistes et les abstraits lyriques.

Kazimir Malevitch

Malevitch, partageant avec Kandinsky l'idée que « le sentiment est le facteur décisif », diverge néanmoins en affirmant : « L’art ne veut plus rien savoir de l’objet, et pense pouvoir exister en soi et pour soi ». En 1913-1914, après une série de peintures cubo-futuristes, Malevitch aboutit au suprématisme, dont le Carré noir sur fond blanc (1913) marque le début, et le Carré blanc sur fond blanc (1918) la fin. Cette trajectoire fulgurante repose sur le nihilisme russe, cherchant à atteindre la vérité suprême par l'affranchissement des formes des objets extérieurs, des formes arbitraires de la géométrie, et des richesses ostentatoires de la couleur. Malevitch aspire à une unité originelle en communion avec le tout.

Piet Mondrian

Mondrian, par l'abstraction, cherche à intérioriser la forme et la couleur, portant la ligne courbe à sa tension maximale : la ligne droite. Opposant l'individuel et l'universel par l'angle droit, il vise un équilibre exact, transformant la révélation en une équation sensible, empruntant aux mathématiques. À partir des échafaudages cubistes de 1911-1912, Mondrian réduit arbres, églises et paysages marins à un schéma rythmique, pour finalement utiliser les couleurs primaires et les lignes noires en compositions parfaites. La revue De Stijl, fondée par Théo Van Doesburg en 1917, diffuse les idées de Mondrian, influençant l'architecture, le décor intérieur et la typographie. Après la Première Guerre mondiale, Mondrian marque la seconde phase de l'art abstrait de manière décisive.

La période raisonnante de l’art abstrait

Vers 1920, une convergence singulière tend à faire de l’art abstrait la base du « style du XXe siècle ». Dans la Hollande neutre, l'Allemagne de Weimar et la jeune URSS, l'avant-garde artistique milite pour une abstraction socialisée, effaçant le tableau de chevalet au profit d'une rationalisation des formes industrielles et du décor urbain. Alekseï Gan, constructiviste russe, et Walter Gropius du Bauhaus partagent cette vision d'une œuvre collective, sans « signature » individuelle. Cette uniformité de vues, favorisée par des figures comme Hans Arp, Théo Van Doesburg, El Lissitski et László Moholy-Nagy, permet des échanges fructueux entre néo-plasticisme, suprématisme, dada et surréalisme.

Toutefois, l'énergie de l'abstraction dans ses applications entraîne une perte de vitalité en création plastique, accentuée par l'émergence tumultueuse du surréalisme, qui attire les forces dynamiques peu séduites par une abstraction académique. En France, vers 1930, des regroupements d'artistes abstraits (Cercle et Carré, Abstraction-Création, Réalités nouvelles) apparaissent, où la créativité est souvent inversement proportionnelle à l'affluence. Pourtant, des artistes originaux émergent, fidèles soit au registre géométrique (Henryk Berlewi, Marcelle Cahn, Jean Gorin, Auguste Herbin, Ben Nicholson, Emilio Pettoruti, Henryk Staewski, Georges Vantongerloo, Paule Vezelay, Friedrich Wordemberge-Gildewart), soit à une inspiration plus souple (Willi Baumeister, Karl Buchheister, Serge Charchoune, César Domela, Otto Freundlich, Jean Hélion, F. Kupka, Alfred Reth, Hans Reichel, Sophie Taeuber-Arp).

Dans l’Allemagne de Weimar, malgré la répression nazie contre « l’art dégénéré », les contributions de Vassili Kandinsky, Paul Klee et László Moholy-Nagy au Bauhaus jouent un rôle capital. La disparition de l’école provoque une diaspora, mais l'idée de rigueur abstraite infuse des écoles prolifiques dans le monde entier, notamment en Suisse, aux Pays-Bas, en Suède, en Italie et en Amérique latine.

Résumé

L'art abstrait est un mouvement de peinture qui a émergé au début du XXe siècle en Europe et aux États-Unis. Les artistes qui ont adopté cette approche ont commencé à explorer les formes, les couleurs et les textures sans se préoccuper de la représentation figurative de la réalité. Cela a permis de libérer la peinture de la tradition académique et d'ouvrir la voie à de nouvelles possibilités de création.

Origine :

Le mouvement qui a fait naître l'art abstrait peut être considéré comme la suite logique de l'expressionnisme abstrait, un style de peinture qui a pris son essor en Europe dans les années 1910. Les artistes majeurs de l'expressionnisme abstrait, tels que Wassily Kandinsky, se sont concentrés sur les formes et les couleurs pour exprimer des émotions et des idées plutôt que de représenter la réalité comme pouvait le faire la photographie en pleine expansion à cette période. Cette approche singulière a donné naissance à l'art abstrait qui a continué à se développer dans les années 1920 et 1930.

Les peintres qui ont marqué ce mouvement :

Mark Rothko : Peintre américain emblématique de l'art abstrait, Mark Rothko s'est concentré centré sur l'expression des émotions à travers la couleur. Ses œuvres invitent les spectateurs à se plonger dans un monde intérieur tout en nuances.

Hans Hofmann (1880-1966) : Né en Allemagne, Hofmann est un peintre et un enseignant influent qui a oeuvré au sein de l'art abstrait américain. Il est connu pour sa technique de "pushing and pulling" qui utilise les couleurs et les formes pour créer un effet de profondeur et de mouvement dans ses oeuvres.

Joan Miró (1893-1983) : Miró est un artiste espagnol qui a travaillé dans de nombreux styles, de la figuration à l'art abstrait. Il est connu pour ses peintures surréalistes et oniriques qui emploient des formes simples et colorées pour créer des univers fantastiques et imaginatifs.

Robert Motherwell (1915-1991) : Motherwell est considéré comme l'un des fondateurs du mouvement de l'art abstrait expressionniste. Il est surtout connu pour ses peintures couchées sur de très grands formats et qui mélangent astucieusement des formes géométriques simples avec des couleurs chatoyantes.

Jo Baer : Artiste américain qui a été l'un des précurseurs de l'art minimaliste. Il a concentré son travail sur des formes géométriques simples et des couleurs primaires pour créer des compositions strictes et épurées.

Dan Flavin : Célèbre pour ses installations lumineuses à partir de néons, cet artiste américain a souhaité plonger les spectateurs dans des environnements colorés et hypnotisants pour des expériences visuelles uniques.

Agnes Martin : Cette artiste américaine a travaillé sur des lignes fines et des couleurs douces pour créer des compositions abstraites contemplatives.

Les sous-genres de ce mouvement :

L'Art Concret : Ce sous-genre de l'art abstrait se concentre sur les formes géométriques simples et les couleurs primaires pour créer des compositions qui dénotent par leur rigueur.

L'Art Cinétique : Ce sous-genre de l'art abstrait s'intéresse aux mouvements et aux changements, utilisant souvent la lumière et les mécanismes pour créer des œuvres en mouvement. Les artistes cinétiques cherchent à explorer les perceptions visuelles et les sensations, c'est en ce sens qu'ils créent des œuvres qui peuvent évoluer au fil du temps en fonction de la lumière et de la position de l'observateur.

L'Art Nouveau Abstrait : Ce sous-genre rattaché à l'art abstrait utilise des formes organiques constituées ds couleurs douces afin de créer des compositions fluides et délicates. Les artistes de cette école se sont concentrés sur l'exploration de la beauté et de la poésie de la nature, en utilisant des formes géométriques représentant les formes végétales environnantes.

L'Art Color Field : Ce sous-genre de l'art abstrait se concentre sur l'utilisation de grands espaces de couleur unie pour créer des compositions puissantes toute en émotions. Les artistes de l'Art Color Field explorent les perceptions et les émotions associées aux couleurs, en utilisant des formes et des couleurs pures afin de créer des œuvres épurées et dramatiques.